У Александра Перфильева большой послужной список: кто-то еще с начала 2010-х знает его как Dee-Jay  P. Rock (или PARTYSTARK), другие плотно сотрудничают с ним как с музыкальным продюсером. А с этого года начинающие артисты могут еще и поработать с Александром в формате экспресс-резиденций «Фабрика музыки». 

В нашем интервью мы обсудили самые разные аспекты современной музыкальной индустрии: от того, почему виниловую пластинку в наши дни можно приравнять к футболке, до того, стоит ли бояться ИИ. И не забыли задать самый важный вопрос: нужно ли молодым и дерзким слушать старших? 

Расскажите о своем профессиональном пути. Какие моменты считаете самыми значимыми?

В музыку я пришел через танцы: в 2006-м году я начал заниматься брейк-дансом (брейкингом). Далее захотел параллельно заняться диджеингом и уже в 2009-м начал выступать как хип-хоп-диджей. За свою DJ-карьеру я объездил с гастролями более половины планеты, много выступая на чемпионатах и фестивалях по брейк-дансу в частности. Разумеется, это помогало знакомиться с очень интересными людьми: от легендарной певицы Dido до французских ди-джеев, писавших саундтрек к фильму «Такси». Попутно в конце 2011-го я решил начать продюсировать и писать свою музыку, чтобы развиваться профессионально. 

Что касается самых значимых моментов, то могу вспомнить, как в 25 лет, в 2017-м, записал свой первый интернациональный трек в США. В 2019-м выпустил около 4 релизов на виниловых пластинках, одна из которых – EP с легендарной американской рэп-группировкой Onyx. 

Также уже порядка пяти лет я работаю на Red Bull Media House: это компания, которая занимается различным аудио (и не только) контентом для Red Bull. Мы (я и мой «коллега по цеху» South DJ Scream) отвечаем за танцевальное музыкальное направление, которое непосредственно относится к лучшему мировому чемпионату по брейк-дансу Red Bull BC One. Мы пишем для чемпионата музыкальные альбомы «под ключ» и специальные инструментальные треки, которые диджеи могут играть во время трансляций соревнований (не боясь нарушить чьи-то авторские права).

Вы начинали как диджей, но обязательно ли звукорежиссеру и саунд-продюсеру подобный бэкграунд?

Это фундаментальная основа, которая позволила мне невероятно вырасти и в музыкальном продюсировании, и в звукорежиссуре. Диджеинг — это в первую очередь диггинг, от английского to dig (копать): когда отслушиваешь десятки тысяч композиций, чтобы найти тот самый алмаз, который ты потом преподнесешь людям на танцполе или в микстейпе. Задача каждого диджея – отобрать самый сок. Это тренирует «наслушанность». И это очень фундаментальная привычка, без которой стать профессионалом просто невозможно. 

Насколько часто музыкальные специалисты переходят из одной профессии в другую? Это – важная составляющая карьерного роста или скорее индивидуальные особенности?

Если музыкальный продюсер идет в звукорежиссуру или наоборот, то это и индивидуальные особенности, и составляющая карьерного роста. Потому что мы живем в эпоху, когда специалист просто обязан быть мультизадачным. Если 15-20 лет назад можно было делать что-то одно, то сейчас надо стараться разбираться во всем. И я считаю, что это правильно: мир ускоряется, и мы должны углублять свои знания вместе с ним, чтобы грамотно выдерживать темп и не «перегорать». 

Чем вас привлек проект «Фабрика музыки»? В чем его суть для непосвященных?

В каждой резиденции собирается 10 команд. В каждой команде 1 музыкальный продюсер, 1 артист и 1 менеджер. Суть в том, чтобы поместить ребят, у которых еще не сильно достаточно опыта, в условия той самой музыкальной индустрии: с дедлайнами, ответственными задачами и так далее. За 9 дней (активная фаза) нужно создать музыкальную композицию, придумать позиционирование артиста, сделать презентацию для финального питчинг-концерта, подготовить плейбек к выступлению — после чего отдать трек на модерацию на стриминг-платформы. И не сорвать сроки. Эстетично, без фанатизма и без ущерба для здоровья. По факту проект длится месяц: после первых 9 дней идет финализация трека и подготовка концерта в клубе «16 тонн». В общем, учитывая все процессы — участники прокачивают сразу и жесткие (hard skills), и мягкие (soft skills) навыки. 

Изначально меня привлек не сам проект, а люди. А именно артистка Мария Мельникова из группы «Маша Мария», креативный продюсер «Фабрики музыки». Она и пригласила меня как лид-куратора по направлению «Музыкальное продюсирование» (в этом году я участвовал уже в трех резиденциях). Такие проекты очень грамотно учат людей совмещать бизнес и музыкальное искусство. И этот баланс математики и оккультно-мистического творческого процесса – самое сложное в индустрии. Обычно творцы хороши либо в одном, либо в другом. Но как правило, побеждают именно те, кто может умело сочетать эти, скажем так, операционные задачи.

Привлекает еще и команда профессионалов проекта: и Мария, и основатель проекта Максим Чумин, и кураторы процессов, и команда менеджмента. Это ребята, которые в первую очередь думают про атмосферу в команде. И это очень важно. Им удалось так настроить процессы, что уровень токсичности сведен на ноль, а сама команда успешно выполняет огромное количество задач, при этом сохраняя максимальный уровень «качества» при безумно сжатых сроках. 

На ваш взгляд, есть ли какие-то поколенческие различия в подходе, мышлении и рабочей этике молодых и более опытных музыкантов?

Я действительно много работаю с представителями разных музыкальных сословий, но не так часто именно с начинающими. Опять же вот на «Фабрике музыки» процентов 80 участников – это те, кого лично я называю «среднепродолжающими» артистами. 

Конечно, поколенческие различия присутствуют. Если ты работаешь с артистами, кто гремел в 90-е и нулевые, то видишь, что у них как минимум больше опыта и действительно другие подходы к созданию музыкального контента, и в целом отличается мышление. Это очевидно: меняется поколение, меняются технологии, меняется сам звук.  

А вот что касается рабочей этики, то тут дело даже не в поколениях, а в конкретном человеке, его воспитании и манерах. Но все это вопрос опыта. Я встречал и 20-летних артистов с большим опытом и отличным  и выверенным подходом к работе. И знал 30-летних, у которых с этим было сильно хуже. Каждый кейс уникален по своей природе. 

Стоит ли молодым артистам оглядываться на «отцов» и «матерей» или у каждого свой уникальный путь?

Конечно, у каждого своя дорога. Но и думать, что до тебя никого не было или всё это не имеет значения, тоже неправильно — если мы про музыкальную культуру в первую очередь говорим. Нужно относиться к предшественникам уважительно, особенно к тем, кто тебя вдохновлял и на чьем творчестве ты базируешься. Как с кино: посмотрел, вдохновился, выразил это в каком-то другом виде искусства, зафиксировал эмоцию в моменте. Все, что было до тебя, это опыт, багаж знаний. Его можно переосмыслять или же нет, решать тебе. Но это в любом случае фундамент.

Как на вашей памяти менялся подход к звукозаписи? Можете ли вы сравнить свой рабочий день сейчас и, например, 15 лет назад?

Технологии очень сильно шагнули вперед. Тогда были другие компьютеры и аудиоинтерфейсы. Еще 15 лет назад было больше акцента на профессиональное оборудование и менее распространена работа в неформальных, порой домашних условиях (bedroom producing). В наши дни можно организовать приличный и качественных продакшн даже не выходя из дома, но только если знаешь, как это сделать. 

Что касается лично меня, то я как 15 лет назад стремился работать в профессиональных звукозаписывающих студиях в любой точке планеты, так и сейчас. Для меня это в первую очередь комфорт и понимание того, что я корректно слышу то, с чем работаю. Несмотря на все доступные технологии, коррекционные плагины для наушников и так далее. 

И, конечно, за 15 лет поменялась скорость: раньше все было медленнее. Не только в музыке, а вообще на планете. 

Некоторые проекты вы сразу готовили для релиза на виниле. Это важно учитывать во время работы? Ведь сейчас наблюдается бум виниловых релизов и не факт, что все они были изначально записаны с учетом этого. 

Нет, сразу это можно не учитывать. Об этом нужно думать уже на этапе мастеринга. Потому что тогда понадобится два мастер-файла: цифровой и для винилового носителя (он как минимум несколько урезан с точки зрения частотного диапазона). 

Есть ли ощущение, что молодые артисты как-то особенно ориентированы на физические носители? 

Я этого не вижу. Хотя бы потому, что это недешево. Винил – это скорее элитный мерч, ведь далеко не каждый может его послушать. Это как купить футболку, худи или постер. Эдакая возможность в прямом смысле слова прикоснуться к музыке. 

Также винил дает больший простор для творчества самому артисту: можно делать особые вкладыши с фото и комментариями, печатать сами пластинки разных цветов, создавать кастомные арт-конверты и так далее. С точки зрения эстетики это куда интереснее, чем просто обложка в стриминговом сервисе, но и сложнее - как ни крути. 

Как вы взаимодействуете с инструментами ИИ? 

Честно, никак. У меня пока не было такой необходимости, да и ничего принципиально нового для своей работы в искусственном интеллекте я пока не увидел. Разве что пару-тройку раз использовал нейросеть, когда нужно было отделить акапеллу от инструментала. Результатом я остался доволен. 

Вообще для меня ИИ это в первую очередь инструмент, которым пользуется человек. Как сказал один мой коллега: «Искусственный интеллект – это способ отвечать на вопрос и удовлетворять запрос». А вопросы и запросы задает всё равно так или иначе человек. По крайней мере пока. Как мне кажется, феномен ИИ можно будет активнее и детальнее обсудить и проанализировать лет через 5. А пока я больше доверяю человеческому ресурсу. 

Топ–5 советов/мудростей начинающим продюсерам и звукорежиссерам?

• Одно из золотых правил любого музыкального продюсера, миксинг- или мастеринг-инженера: «Не сломано — не трогай!»

• Перфекционизм – первое, что убьет в тебе желание творить.

• Самое важное, что нужно исключить при сотрудничестве с другими творцами в одном студийном пространстве, – эго. Иными словами: DON’T BE AN ASSHOLE! 

• Путь Воина Звука – это в первую очередь путь. И проходить его нужно с достоинством.

• Как молвил Kanye West: «Ничего вам в этой жизни не обещано – кроме смерти!» Помните об этом и уважайте и свой путь, и путь окружающих вас коллег-творцов. Любите свое «музыкальное кунг-фу» и будьте благоразумны.

И пара вопросов от наших подписчиков. Любите ли вы фонк? 

Безусловно, я уважаю данный жанр. Но я все-таки за тот самый оригинальный фонк (DJ Screw, THREE 6 MAFIA, Spanish Fly…), а не за то, что теперь понимают под этим жанром (хотя он, безусловно, рвет чарты). Сейчас это уже переработанная субстанция. Но я опять же не даю оценочного суждения: это исключительно моя субъективная позиция, нравится/не нравится. 

Как часто вы работаете музыкальным продюсером? Как добиваетесь плотного насыщенного саунда при записи инструментов и вокала, чтобы звук получился практически готовым?

Музыкальный продюсер – моя основная работа. Full-time job, как говорится.  Любимая связка для записи вокала – это Neumann U87 + GOODFLY 1073 (или в оригинале NEVE 1073) + RETRO COMPRESSOR (или же по классике - LA-2A). Но вообще все очень ситуативно, и связка может в корне измениться под тембр того или иного артиста.

По поводу записи инструментов, тут точно все сугубо индивидуально. Зависит от инструмента и количества времени на «эксперименты» со звучанием.

Записал Михаэль Агафонов